中西方绘画语言所表现的“有意味的形式”

摘 要：作为人们记录生活的最原始手段，线条将有规则、有条理的世间万物的所有元素组织于画面中，以形成新的客观事物。色彩是绘画语言的重要组成部分和绘画成功的关键，调和不同颜色的比例，不仅能体现出画面的层次感和平衡感，还可以形成不同颜色的图像，真实再现客观事物。西洋绘画再现了客观的对象，它用强烈的色彩创造了视觉上的冲击和影响，画家通过主观处理和再加工创造出自己想要表现的绘画语言。绘画构图学是研究绘画构图的形式美规律、艺术法则和艺术技巧的科学理论，是绘画视觉心理学和艺术美学的结合与具体运用。

关键词：线条;色彩;视觉冲击;构图

一、线条是最具表现力的绘画语言

（一）线条是中国画艺术的主要表现形式

张彦远在《历代名画记》中写道：“无线者非画也。”

中国绘画使用线条来表现目标对象的形态学特性，利用各种厚度、粗细和线条的紧张感来表现节奏的变化，并使用分散的、高密度的、虚拟的实线来展示图像独特的魅力。这种有生命力的线条不仅描绘了客观对象的轮廓，还流露出画家的真实情感。

例如，在形成客观对象时，画家为了区别人物线条的脸部和衣服，采用了粗细、疏密、虚实不同的线条，使脸部线条看起来纤细与轻薄，衣服线条看起来厚重与均匀。一张一弛，松紧交织，线与线之间的自然流动以及衔接呼应增加了画面的韵律感和节奏感（图1、2）。

（二）线条在西方绘画中的重要体现

初期线描主要用于草图，起到对客观对象再现、概括轮廓的作用。因此，线条在西洋绘画中不是艺术的主要形态，而是一种辅助工具，用来概括客观对象的轮廓。从古希腊时期到19世纪，西洋绘画中线条的运用随着艺术的进步也在不断发展，进而演变出线性结构的各种表现形式。古希腊人认为“艺术乃自然的直接复现或对自然的模仿”，是一种再现、再创造自然的重要表现手段。

19世纪以前，画家特别注重对人物脸部特征的详细描绘，通过小笔触抓住五官的主要特征。直到凡·高出现，线条才在画面中充分体现出来，他的作品《星月夜》中运用了各种各样斑斓的线条，弯曲的长线和破碎的短线交互运用，使画面呈现出炫目的奇幻景象，具有极强的表现力，同时从线条的变化中也可以体会到凡·高当时作画的心境和感受（图3）。

二、色彩协调是画作成功的关键

（一）墨色是中国绘画最传统的颜色

中国画讲究整幅画面主客观的和谐统一，画家把观察到的实际景物的颜色在创作的过程中进行“主观处理”，不讲究色彩的真实性，而是利用色彩的融合进而表达画面的意境。唐代张彦远的《历代名画记》：“运墨而五色具。”“五色”指焦、浓、重、淡、清，或指浓、淡、干、湿、黑。中国画墨分五色，根据书画同源的理论以墨代色、以画言志，使中国的绘画具有一种有别于西方绘画的独特的形式。中国传统绘画的色彩大多给人典雅、沉稳的感觉，同时画面也具有表现力和形式美。

例如，顾闳中的《韩熙载夜宴图》，画家运用明丽的浅色和浓重的深色对照互衬，男子深色的长袍烘托着用浅色调画出的女子形象，使画面深浅明暗和谐，层次明晰。深中有浅，浅中有深，引起观画者的注意。墨色、深色既凝重沉实又鲜活生动，明艳色之间有黑白色的相隔相融，使整个画面艳而不跳、亮而雅致。

（二）丰富的色彩是西方绘画表现的重要因素

受古希腊文化以及基督教的影响，西方绘画作品最初追求写实，形成了以古希腊文化与基督教文化为核心的美学思想表现形式——绘画作品所要表达的内容必须要体现物质外在的美。18世纪开始，欧洲色彩学家们试图以客观的分类法把色彩变化“标准化”，从而找出可以灵活转换的配色处方，以使色彩和谐配置达到“科学化”。

西方画家强调自然景物的真实再现，因此十分注重色彩的表现以及运用。例如，莫奈注重客观对象外光的效果，极力表现光色瞬间细微变化，“干草垛”风景组画着重表现同一场景在不同光线气氛下展现不同的外观颜色，不强调物象轮廓的写实，主要用光线和色彩表现瞬间的印象。西方现代绘画抛弃了文艺复兴时期以来对自然景物的精确模仿，在绘画作品中大胆用简单明快的色彩塑造客观对象，给观画者无限遐想的空间，让色彩得到解放。西方画家用独特的眼睛观察和看待客观事物，体现了他们享受生活、感悟生活的态度。

三、构图是表现绘画语言的思维方式

构图是二维平面艺术表现形式美的基本方法，它是指在有限的平面范围内（画面中）将零散的元素有机地组合起来，使其形成符合艺术规律的组织结构，从而创造出一幅完整的绘画作品，这种有条理、有规律的组织画面的方法就是构图。构图是绘画作品中全部绘画语言的组织方式，是检验构思效果的具体依据，是解释形象的全部艺术语言的总和。

（一）中国画中的散点透视

中国画构图讲究章法、布局，即顾恺之所说的“置陈布势”，谢赫六法中的“经营位置”。中国画独特的构图方式，即散点透视，画家将不同时间、不同地点出现的所有元素安排和组织在画面中，使中国画具备散点透视的特点。中国画构图倾向于平面装饰性，主要依靠画面层次的变化。因此，画面中客观对象既要主次分明，又要在变化中平衡画面——即统一中有变化，变化中有统一。随着画家构思的深化，构图也在跟着不断拓展，使构思在构图中具体化。

例如，《清明上河图》的画家采用散点透视，以移步换景的构图描绘整个场景。船过虹桥的紧张场面安排在全卷近中央，形成具有艺术效果的最精彩的部分，而画面中的其他客观对象都在从各个方向向虹橋集中，这样的描绘使画面中的每个局部也有变化，同时各个部分也相互联系、相互影响（图4）。

（二）西方画中的焦点透视

西方绘画强调黄金比例等形式美的构图法则，大多采用焦点透视，即集中于一点，然后将其他的点依次发散在画面中，既重视对主体客观对象的描绘，也强调背景的衬托。在西方绘画中，文艺复兴时期达·芬奇喜欢用数学思路构图，为后世写实绘画确立了美学标准。

例如达·芬奇的《最后的晚餐》，画面餐桌和其他景物的透视消失线都集中于画中耶稣头上，并且把画中的透视和饭堂墙壁、天花板的实际透视效果结合起来，不仅使耶稣作为中心人物被突出表现出来，而且使观画者仿佛身临其境。拉斐尔的《雅典学院》，利用平行透视创造出一个巨大的纵深空间，使画面主次前后分明，具有层次感。拉斐尔创造的三个中心形成了一个不规则的三角形，也可以看作是金字塔构图的变式。

四、审美意识

（一）寄情于物

中国哲学是中国绘画发展的基础，中国绘画受到儒释道文化的影响。“天地与我并生，而万物与我为一”的观念，使中国人对世界的认识有自己的独特方式和审美习惯。因此，中国画注重对意境的描绘，画中不仅隐含着画家的真实情感，还创造出了“气韵生动”的意境。画家将自己的理解和感受融入画作中，寄情于物，通过对物的精心描绘，表达出心中蓄积的情感，体现的是画家内心深处的修养与情怀。

（二）模仿自然

传统的西方绘画注重自然写实，强调图像的“真实性”，始终将自然科学放在重要地位，并将科学原理贯通于绘画之中。“科学性”的方法在西方画家的创作中扮演着重要的角色。西方画家善于模仿和再现世间万物所有元素的初始形态，将看不见的元素和看得见的元素结合起来，通过想象和联想清晰地再现客观对象。以逼真的手法描绘客观对象，以明暗变化重现客观对象，从逼真到变形，呈现出西方绘画语言的意象观。

参考文献：

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作者单位：

辽宁师范大学美术学院

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